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Chocolat : héros d’hier contre racisme d’aujourd’hui

Chocolat, le quatrième long métrage du cinéaste et acteur Roschdy Zem avait de quoi attirer l’historien : choix cinématographique exceptionnel, le scénario s’inspire en effet non d’une œuvre de fiction mais d’une source historienne, à savoir les travaux de Gérard Noiriel sur Rafael Padilla, esclave cubain devenu célèbre dans la France de la Belle Époque sous le nom de Chocolat (voir notamment son ouvrage Chocolat, clown nègre. L’histoire oubliée du premier artiste noir de la scène française, Paris, 2012).
Allait-il ainsi, la caméra au poing, filmer le racisme en action de la France dans la IIIe République comme l’historien avait placé son enquête sous le sceau d’une microstoria à la Carlo Ginzburg ?
Les bonnes intentions sont évidentes, les tentatives multiples mais les résultat souvent un peu décevant. Le réalisateur conduit effectivement son public dans les rues cosmopolites de la capitale parisienne, l’entraîne dans les allées de l’Exposition universelle pour visiter des zoos humains, le confronte à l’impitoyable univers carcéral républicain, le plonge dans les sordides bidonvilles réservés aux noirs et aux déclassés, l’aguiche avec les plaisirs des nuits de la Belle Époque (café-concert, théâtre avant-gardiste, spectacles du Nouveau-Cirque, tripots mal famés...). Mais il n’évite ni les plans carton-pâte ni les images d’Épinal. Faute de pouvoir rivaliser avec les films à gros budget, Chocolat se contente de brosser rapidement les caractéristiques socio-culturelles d’une société enthousiasmée par le développement de l’industrie du loisirs, et mise en joie par les caricatures racistes, qu’elles apparaissent dans les publicités Felix Potin ou naissent des frasques du célèbre duo de clowns Chocolat et Footit : on apprend ainsi que l’expression « être chocolat » vient de leurs numéros. Systématiquement dupé et frappé par le clown blanc, le clown noir n’obtient jamais satisfaction, il reste « chocolat »
Là réside sans doute le plus grand mérite du film : faire reprendre vie au parcours exceptionnel de Rafael Padilla, tombé dans l’amnésie collective. Ancien esclave cubain devenu, après de multiples péripéties, « cannibale » dans un cirque de province puis clown sur les scènes parisiennes, Chocolat connaît une notoriété tout à fait exceptionnelle au tournant du XIXe et du XXe siècle. Le Figaro l’affuble du titre de véritable artiste, les Parisiens courent à sa rencontre pour obtenir son autographe, Toulouse-Lautrec le caricature, les Frères Lumières en font la vedette de leur Chaise à bascule, Samuel Becket s’en inspire pour imaginer le personnage de Lucky dans En Attendant Godot. Pionnier du clown, il participe ainsi aux premiers pas du cinéma muet et invente même la thérapie par le rire pour les enfants malades. Il doit son succès à sa capacité à se placer à l’avant-garde d’un humour largement inspiré par les minstrels shows américains et à l’habileté avec laquelle le duo comique insère l’actualité dans ses pitreries. Roschdy Zem le sait, le montre parfois mais, comble de la déception pour l’historien, a toujours tendance à placer ces éléments explicatifs à l’arrière-plan.
Outre les quelques libertés historiques perceptibles par leurs seuls spécialistes (le cirque Delvaux n’a jamais existé, le révolutionnaire noir haïtien est inventé de toutes pièces et la femme de Chocolat, Marie Grimaldi, détournée de la réalité…), le long métrage de Roschdy Zem fait trop souvent figure d’auberge espagnole des racismes contemporains. Si la police parisienne a tendance à se comporter comme les forces de l’ordre de l’Amérique ségrégative, elle traque encore les sans-papiers noirs pour les enfermer et les menacer d’expulsion. Roschdy Zem laisse surtout entendre que l’échec au théâtre de Chocolat tient au racisme de ses contemporains.

Interview de Gérard Noirel par Nathalie Levisalles, Libération, 6 janvier 2016

Les analyses de Gérard Noiriel rappellent au contraire les dangers à plaquer sur une réalité ancienne des schémas de pensée contemporains. Porté par une naïve volonté d’émancipation, Chocolat ne se heurte pas tant au racisme de ses contemporains qu’aux frontières d’une société fragmentée interdisant aux marginaux de pénétrer les lieux réservés à l’élite. Victime d’une myopie historique qui le condamne à oublier l’affaire Dreyfus comme l’influence grandissante de la culture américaine du spectacle, le film explique ainsi par le seul racisme la mort sociale de Chocolat à la dissolution de son duo en 1905. Or, la France postdreyfusienne ne cherche plus tant à rire au spectacle de la stigmatisation raciale qu’à celui des prouesses scéniques américaines attribuant aux Noirs le rôle de danseurs ou de sportifs hors du commun.
Doit-on pour autant instruire le procès en anachronisme du film de Roschdy Zem ? Gérard Noiriel reconnaît lui-même qu’une frontière nette sépare la culture historique des historiens à celle du grand public qui tend toujours vers la mémoire. Et c’est bien un enjeu de mémoire, celui d’exhumer un héros positif noir (les anglo-saxons parlent de « role models ») à destination des jeunes générations, qui a donné envie à l’historien de poursuivre et d’aprofondir son travail sur Chocolat : « J’ai construit ce livre pour montrer qu’on avait affaire à un héros. Cela permettra peut-être à certains de s’identifier alors qu’ils ne s’identifieraient pas à Jeanne d’Arc ou à Napoléon. On est dans une société très diversifiée, mais ce sont toujours les mêmes héros qui sont mis en avant. Il ne suffit pas de rajouter des chapitres dans les manuels d’histoire, il faut aussi créer des héros. » Porté par LA star noire du cinéma français contemporain (Omar Sy), bénéficiant d’une exposition médiatique confortable, Chocolat remplit parfaitement cet office.

[Chocolat de Roschdy Zem. 2015. Durée : 110 mn. Distribution : Gaumont. Sortie le 3 février 2016]

Posté dans Dans les salles par Francis Larran le 10.02.16 à 11:45 - Réagir

Experimenter : le site pédagogique

Au début des années 1960, Stanley Milgram (1933-1984), chercheur en psychologie sociale à Yale, demande à des cobayes sélectionnés par petite annonce d’infliger des chocs électriques d’intensité croissante à d’autres individus, dans le cadre fictif (les chocs électriques sont simulés, la victime est un complice) d’une expérience scientifique (censément consacrée à l’influence de la punition sur l’apprentissage). Dans la variante la plus connue de l’expérience, 65% des individus allèrent jusqu’à la tension maximale (potentiellement mortelle) de 450 volts, prouvant de manière inquiétante la capacité de l’être humain à commettre, sous l’effet d’un conditionnement psychologique léger, des actes cruels et inhumains.

Cette expérience, documentée dans l’ouvrage intitulé Soumission à l’autorité, mais plus connue sous le nom « d’Expérience de Milgram », eut un retentissement mondial. Contemporaine du procès d’Adolf Eichmann à Jérusalem (1961-1962) et des réflexions de la philosophe Hannah Arendt sur la « banalité du mal » (Eichmann à Jérusalem. Rapport sur la banalité du mal, 1963), elle participait du retour réflexif sur le génocide des Juifs par l’Allemagne nazie, et notamment sur la participation (ou l’absence de résistance) des citoyens allemands au processus génocidaire. L’expérience sera reproduite plusieurs fois par d’autres équipes scientifiques, aboutissant à des résultats sensiblement identiques. Elle inspirera le cinéma (I comme Icare d’Henri Verneuil, 1979) et la télévision (Le Jeu de la mort de Christophe Nick, 2010, transposant l’expérience dans le cadre d’une émission de téléréalité).

S’ouvrant sur la fameuse expérience, dont le protocole est mis en scène de manière détaillée, Experimenter de Michael Almereyda s’en détache pour suivre la carrière et la vie (notamment conjugale) de Milgram jusqu’à sa mort en 1984. Le choix est judicieux : si cette expérience a assuré la renommée à Milgram, elle a aussi éclipsé sa carrière ultérieure (marquée pourtant par des travaux riches et variés). Il offre l’avantage d’éviter au film de tomber dans le travers des récents biopics de scientifiques produits par Hollywood : la réduction mélodramatique à un drame personnel (la schizophrénie de John Nashl’homosexualité contrariée d’Alan Turing, ou la maladie de Stephen Hawking), censé nous rapprocher d’un personnage dont les travaux nous sont incompréhensibles. S’appuyant certes sur un matériau beaucoup plus accessible (les expériences en psychologie sociale), Experimenter cherche au contraire à nous installer, avec beaucoup de pédagogie (une pédagogie non dénuée d’humour, comme lors des apartés face caméra de Milgram), au cœur de la réflexion et du travail du scientifique.

Experimenter est donc tout à fait recommandable à un public de lycéens, et pourra donner l’occasion d’un riche travail interdisciplinaire : le film permettra d’aborder plusieurs notions des programme de Sciences Économiques et Sociales et de Philosophie, en collaboration avec l’enseignant d’Anglais. Sur le site pédagogique consacré au film, propose plusieurs fiches d'activités dans les disciplines citées. Elles pourront être complétées par la participation au jeu-concours (en partenariat avec Zérodeconduite et Alternatives économiques), qui propose aux classes de reproduire certaines des expériences de Milgram.

Experimenter de Michael Almereyda, au cinéma le 27 janvier

Le site pédagogique du film

Posté dans Fiches et dossiers pédagogiques par zama le 27.01.16 à 17:10 - Réagir

Mon maître d'école : mon instit, ce héros

Il s’appelle Burel, Jean-Michel Burel. Il n’est qu’un chiffre dans les statistiques, un des 800 000 et quelques enseignants français, cette profession qu’on a l’habitude de traiter dans les grandes masses. Mais pour ses élèves il a été pendant plus de trente ans « maître Burel », celui qui leur délivrait le savoir et les ouvrait au monde, celui qui leur a donné confiance en eux et en l’école.

En revenant, plus de trente ans après, filmer l’instituteur de son enfance, toujours en poste dans la même école à classe unique du même village rural (Saint-Just-et-Vacquières dans le Gard) Émilie Thérond livre véritable « feel-good movie » qui touche droit au cœur en ces temps troublés. Le film est porté par le charisme de Monsieur Burel : son autorité tranquille, sa bonhommie, sa faconde toute pagnolesque (avec l’accent méridional). La dramaturgie du documentaire s’appuie sur le compte-à-rebours de cette dernière année avant la retraite, qui confère aux dernières scènes du film une émotion vibrante.

Mon maître d’école fleure évidemment bon la nostalgie : celle d’une école rurale, bucolique et sereine, encore préservée de la crise sociale et de violence ; d’une époque où l’instituteur était un notable dont personne ne se serait avisé à contester l’autorité ; d’une liberté pédagogique pas encore entamée par les normes suprotectrices ou une administration trop présente. On s’étonne ainsi de la présence discrète et émouvante, au fond de la classe, de Lionel, adulte handicapé qui continue à assister aux cours de Monsieur Burel. Mais l’enseignant, qui lui aussi a évolué avec le temps (il s’en rend compte en regardant les photos ou le vieux carnet de notes que lui présente la réalisatrice), se défend de tout passéisme. Il tient aussi et surtout à ne pas apparaître comme un donneur de leçons, insistant sur la singularité profonde de chaque enseignant : ce qui marche avec lui et avec cette classe n’est pas forcément transposable ailleurs, et ne sera pas forcément valable l'année suivante… Émilie Thérond se tient à cette modestie comme à un viatique, livrant une chronique toute en simplicité, bercée par le rythme des saisons et la musique de Yodelice, et se concentrant sur un lumineux portrait d’enseignant, qui porte haut les valeurs (respect, tolérance, bienveillance) de l’École de la République.

Zérodeconduite est partenaire du film, et lui consacre un site pédagogique. Si le film touchera et intéressera d’abord les maîtres eux-mêmes (ils ne sont pas si fréquents les films qui mettent en scène l’acte d’enseigner), il peut également donner lieu à un travail en classe : nous proposons un dossier pédagogique destiné au Cycle 3, qui permettra de travailler en amont (étude de l’affiche) et en aval du film, notamment sur la comparaison entre une école urbaine et une école rurale, le portrait du maître et le passage au collège.

[Mon maître d’école de Emilie Thérond. 2015. Durée : 82 mn. Distribution : The Walt Disney Company France. Au cinéma le 13 janvier 2016]

Le site pédagogique

Posté dans Dans les salles par zama le 13.01.16 à 20:37 - Réagir

Le Pont des espions : l'homme spielbergien face à l'histoire

« Stoic moujik », « l’homme debout », celui qui se relève après chaque coup. C'est ainsi que, dans Le Pont des espions, l’espion soviétique Rudolph Abel, capturé aux États-Unis en 1957, voit son avocat de Brooklyn, James B. Donovan (Tom Hanks). Homme simple et ordinaire pris dans les impitoyables logiques de la Guerre froide, Donovan fait front et surmonte les adversités de l’histoire. En choisissant de retracer son parcours depuis le procès de Rudolf Abel jusqu’à son échange, à Berlin, contre deux prisionniers américains (un pilote américain abattu au-dessus de l’URSS, et un étudiant de Yale emprisonné en RDA), Steven Spielberg immerge le spectateur dans le monde bipolaire de la fin des années 1950 et ouvre le livre de l’Histoire. Soutenu par une savante mise en scène, le long métrage jette une lumière, chaude et chaleureuse, sur les États-Unis des fifties. Tout y est : le modèle américain avec la famille type et la société de consommation, le système judiciaire, la foi inconditionnelle dans la Constitution, les peurs collectives face à la menace nucléaire, les relents agressifs du maccarthysme, les U2 chargés de photographier le territoire ennemi, les coulisses de la diplomatie américaine… De l'autre côté du Mur, dans un bloc de l’Est figé dans des couleurs glaciales, le réalisateur joue encore des passionnantes rivalités entre les démocraties populaires, sonde les arcanes de leurs administrations et livre un portrait saisissant de Berlin-Est qui érige, tout autour de sa misère, un mur de haine.

Si l'Histoire est mise en scène avec un imparable souci du détail et de la vraisemblance, le film n'en est pas moins fidèle à l'univers de Steven Spielberg. Créateur du premier blockbuster américain (Jaws, 1975) qui aurait, aux dires des critiques, sacrifié la liberté du Nouvel Hollywood sur l’autel du grand spectacle industriel, le réalisateur montre, une fois de plus, combien il sait plier les canons de la superproduction commerciale à sa propre vision du monde. La plume des frères Coen comme les talents d’un casting de luxe (Tom Hanks, Mark Rylance, Amy Ryan) servent autant les constantes de son cinéma qu’une créativité consciente des faiblesses de la vulgate hollywoodienne actuelle. Steven Spielberg puise volontiers chez Alfred Hitchcock, Carol Reed, Orson Welles tout comme chez John Le Carré pour retrouver la finesse des dialogues, les cadrages des films d’espionnage, la douce rigidité de leurs personnages et l’ambiance enfumée de leurs rencontres. Mais il enserre ces références dans ses propres schémas de pensée. Dans la droite lignée de ses succès (Indiana Jones, La Liste de Schindler, Il faut sauver le soldat Ryan, La Guerre des mondes, Minority Report…), Le Pont des espions renoue avec les thématiques du père savant mais absent, du héros en quête de justice dans un monde en proie à la folie barbare… Face à l’un des reproches récurrents adressés à son cinéma (à trop bien filmer le débarquement en Normandie, on risque fort de se livrer à une esthétisation hors de propos de la réalité historique), la réponse de Spielberg ne varie pas : il faut passer par la fiction pour approcher le réel. Dans le Pont des Espions, inspiré d'une histoire vraie, la réalité est elle-même tissée de faux-semblants : des espions allemands campent les faux parents de Rudolf Abel, James Donovan fait semblant de ne pas œuvrer pour le gouvernement américain et la RDA, qui n’est pas reconnue officiellement par les États-Unis, tente d’intégrer le jeu de dupes que se livrent les superpuissances.

L’histoire selon Spielberg n’est pas neutre. Elle est parcourue par une poignée de héros humanistes suffisamment puissants pour contrer ses horreurs. Otage probable d’un monde contemporain à la dérive depuis la fin des grandes idéologies politiques du XXème siècle, Spielberg s’acharne depuis quatre décennies à montrer combien l’homme juste et savant est capable de plier à ses ordres des logiques inhumaines qui entraînent dans leur sillage le commun des mortels. Pour mieux condamner l’avidité des dirigeants de la station balnéaire de Jaws, Steven Spielberg épargne le bon shérif et l’océanographe érudit. Contre la folie destructrice des nazis ou des hommes de l’entourage du sultan indien, le professeur Indiana Jones préserve le patrimoine grâce au savoir hérité de son père. Juste parmi les justes, Schindler parvient, quant à lui, à sauver du génocide des dizaines d’innocents. Dans Il faut sauver le soldat Ryan, Le capitaine Miller sacrifie sa vie pour épargner celle du dernier d’une fratrie décimée par la guerre. John Anderton parvient, dans Minority Report, à préserver la liberté individuelle en faisant échouer un projet totalitaire… Digne héritier des héros spielbergiens en lutte contre les maux de l’humanité, James Donovan use de son intelligence et de son éloquence pour libérer des hommes victimes de jeux politiques destructeurs. Le Pont des Espions livre sans doute ici un grand spectacle mais continue de servir une pensée profonde.

[Le Pont des espions de Steven Spielberg. 2015. Durée : 141 mn. Distribution : Twenthieth Century Fox France. Sortie le 2 décembre 2015]

Posté dans Dans les salles par Francis Larran le 07.12.15 à 12:16 - Réagir

Les Suffragettes : entretien avec Myriam Boussahba-Bravard

Enseignante chercheuse, Myriam Boussahba-Bravard est spécialiste du XIXème siècle anglais (1815-1914) et notamment du suffrage anglais. Elle a été conseillère historique sur le film documentaire Les Suffragettes, ni paillassons ni prostituées réalisé par Dominique Dominici (Arte, 2011). Elle a visionné le film Les Suffragettes de Sarah Gavron et accepté de répondre aux questions de Zérodeconduite.net.

Quel regard portez-vous sur le film de Sarah Gavron ?

Le film Les Suffragettes met en scène un moment de la longue campagne pour le droit de vote des femmes en Angleterre, qui bascule dans la contestation violente à partir de 1912. Il montre de beaux personnages de femmes, à commencer par l’héroïne Maud (Carey Mulligan), une jeune ouvrière, qui comprend soudainement qu’elle peut voire doit faire des choix. Chaque élément qui sert la fiction est fondé historiquement. Les questions de maternité, de sexualité, d’argent et de travail qui apparaissent en filigrane permettent de comprendre les conditions sociales dans lesquelles vivaient les femmes au début du XXème siècle. Les violences qu’elles subissaient sont bien rendues et les dialogues reflètent clairement les différentes classes sociales.

Le film montre la diversité sociale du mouvement des suffragettes.

La campagne suffragiste rassemblait en effet des femmes issues de différentes classes. Cela ne signifie pas pour autant que les différences sociales étaient abolies, mais les militantes se rassemblaient autour de revendications communes. L’héroïne, Maud (Carey Mulligan) est blanchisseuse, avec un niveau d’éducation élémentaire (depuis 1870, les enfants des ouvriers, garçons et filles, ont accès à l’éducation). Dans le film, on la voit donner sa modique paye à son mari, qui gère l’argent du foyer. Alice Haughton (Romola Garai) est la femme d’un député. Il paye la caution de deux livres pour lui éviter la prison, mais refuse de payer celle des cinq autres suffragettes, alors qu’il s’agit pourtant de son argent à elle, comme elle le lui rappelle. On voit que les mêmes problématiques se posent, d’un bout à l’autre de l’échelle sociale : dans la plupart des couples le mari règne en seul maître, il n’y a pas de discussion possible, sur des questions pourtant aussi essentielles que l’éducation des enfants ou la gestion du budget du ménage. Ces scènes révèlent également le décalage entre les lois (depuis 1884, les femmes ont le droit de gérer leur argent), et la réalité des pratiques.

Le couple de pharmaciens fait figure d’exception.

Edith Ellyn (Helena Bonham Carter) appartient à la classe moyenne éduquée, au sein de laquelle, à cette période-là, les femmes veulent accéder au travail. Contrairement aux stéréotypes qui voyaient dans les femmes suffragistes des célibataires ou des vieilles filles aigries et parfois dérangées, la plupart d’entre elles étaient des épouses. Les maris ne s’opposaient pas tous à leur cause. Au moment où se déroule le film nombreux sont les hommes qui soutiennent le mouvement suffragiste, des ligues suffragistes exclusivement masculines se sont formées. La sympathie pour le mouvement suffragiste commence à gagner le pays. Il faut replacer le mouvement dans un contexte de grande agitation sociale (on a parlé de « fièvre ouvrière »), qui voit une multiplication des grèves et des revendications salariales.

Le milieu du travail, à l’instar de la blanchisserie dans laquelle s’épuise Maud, cristallise les injustices faites aux femme.

Le métier de blanchisseuse est un des derniers métiers, avec le travail domestique, où il n’existe pas de réglementation du travail. Les syndicats sont essentiellement masculins (seuls les salaires masculins permettent de payer l’adhésion), et plutôt hostiles aux femmes, qui sont accusées de faire baisser le salaire moyen (alors que ce n’est pas elle qui demandent à être sous-payées !). Le travail de blanchisseuse était exclusivement féminin, les contremaîtres étant des hommes. Maud rapporte à la commission d’enquête parlementaire les différences de salaire entre hommes et femmes : celles-ci gagnent 13 shillings par semaine en faisant plus d’heures que les hommes, payés eux 19 shillings. Mais à l’époque, les femmes qui ont besoin de travailler peinent à trouver un emploi, car de nombreux métiers sont interdits aux femmes. C’est bien pour cela que le patron de la blanchisserie licencie aussi facilement, en plus d’abuser sexuellement de certaines de ses employées.  À la fin des années 1890, une campagne fondée sur le slogan : « à travail égal, salaire égal » est lancée, mais n’aboutira pas, alors qu’elle concerne tous les métiers (un instituteur touche par exemple 30 à 40% de plus qu’une institutrice). Il faut savoir qu’aujourd’hui, au niveau européen, le différentiel entre salaires féminins et masculins est encore de 20% en moyenne.

L’audition de Maud au Parlement indique que les politiques avaient conscience de toutes les injustices faites aux femmes.

Ces enquêtes parlementaires sur les questions sociales et économiques sont une pratique habituelle de la démocratie anglaise. La première enquête parlementaire, qui portait sur les questions du travail des enfants, a lieu en 1819. Mais elles ne trouvent pas toujours une traduction législative. Maud s’exprime au Parlement devant le ministre David Lloyd George, acquis depuis toujours à la cause suffragiste. Mais il appartient au gouvernement d’Herbert Henry Asquith, anti-suffragiste notoire, et à ce titre il est tenu par la discipline gouvernementale. Le parlement se saisit de la question, reconnaissant qu’il y a un problème, diligente une enquête parlementaire, recueille des témoignages, mais la traduction législative se fera attendre. La première enquête parlementaire sur les conditions de vie des femmes porte, en 1907, sur les divorces : les ouvrières souhaitent divorcer parce qu’elles ne veulent tout simplement plus avoir de relations sexuelles et tomber enceintes (faute de contraception, il y a 7 ou 8 enfants par famille ouvrière). Les enquêtes sociales révèlent également qu’elles sont mal nourries. Dans un budget restreint, le premier qui mangeait était celui qui rapportait le plus gros salaire donc le mari, suivi des fils puis des filles qui travaillaient, puis les plus jeunes et enfin la femme. Ces femmes étaient souvent anémiées et vieillissaient très vite.

Retrouvez cet entretien dans son intégralité sur le site pédagogique du film.

Propos recueillis par Magali Bourrel

[Les Suffragettes de Sarah Gavron. 2015. Durée : 106 min. Distribution : Pathé Distribution. Sortie le 18 octobre 2015] 

Posté dans Entretiens par Zéro de conduite le 17.11.15 à 16:24 - Réagir