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Le Crime de l'Orient Express : Hercule Poirot, un coup dans l'eau

Le Crime de l’Orient-Express

Grand succès de la littérature anglaise, Le Crime de l’Orient-Express n’a plus franchement la côte auprès des jeunes générations. Kenneth Branagh projetait de remettre au goût du jour cette célèbre enquête d’Hercule Poirot, aidé par un casting fait pour ratisser large, y compris chez les plus jeunes (avec notamment Daisy Ridley, qui incarne Rey dans Star Wars). Pour permettre à tout le monde de suivre, Branagh ouvre son film avec une courte enquête préliminaire visant à caractériser Hercule Poirot auprès de ceux qui ne le connaissent pas. On le découvre amateur de symétrie (il exige deux œufs parfaitement identiques pour son petit-déjeuner), amateur de mots d’esprit et bien sûr détective hors-pair (le crime est résolu en moins de temps qu’il n’en faut pour l’écrire).

Le cadre une fois posé, les voyageurs peuvent embarquer à bord de l’Orient-Express. Sur le papier, c’est là que les choses sérieuses devraient commencer : alors que le train est bloqué par la neige, un riche américain est assassiné dans sa cabine ; Hercule Poirot mène l’enquête, cherchant le coupable parmi les treize autres passagers du train. Pourtant, entre l’amusante séquence d’ouverture et la scène de confrontation finale, convaincante recréation de la Cène dans laquelle il ne s’agit plus d’identifier le traître Judas mais le meurtrier de l’Orient-Express, on peine à se passionner pour l’enquête. Mécaniquement, Poirot interroge un à un les passagers, mais ces confrontations ne révèlent rien d’essentiel, et ne ménagent ni grand suspense ni franc amusement pour le spectateur. Et puis, d’un seul coup, le détective belge est pris d’intuitions géniales qui lui permettent peu à peu de résoudre le crime. Bien sûr, ces traits de génie sont partie intégrante de ce personnage qui comprend ce que personne d’autre ne perçoit. Mais le fait que toutes les révélations majeures du film sortent de son chapeau sans que rien ne les ait annoncées se révèle très frustrant pour le spectateur, privé du plaisir de faire fonctionner ses méninges.Ne reste alors pas grand-chose à se mettre sous la dent, si ce n’est l’impressionnante moustache d’Hercule Poirot et – surtout – la belle composition de Michelle Pfeiffer, parfaite dans son rôle de bourgeoise extravagante.

Bien sûr, l’intrigue d’Agatha Christie ne manque pas d’intérêt sur le plan pédagogique (au Collège – 4e, 3e – comme au Lycée), que ce soit pour l’étude des codes du roman policier, pour une séquence autour des événements historiques effleurés dans les dialogues (la ségrégation, la prohibition, la montée de la xénophobie en Allemagne) ou pour une réflexion sur la moralité du meurtre. Mais cette adaptation du Crime de l’Orient-Express n’est ni suffisamment grand-public pour constituer une porte d’entrée dans l’univers d’Agatha Christie, ni suffisamment réussie pour être étudiée pour ses qualités cinématographiques intrinsèques. On lui privilégiera donc la version de Sidney Lumet, ou l’adaptation télévisée britannique de 2010 (avec l’inégalable David Suchet), une version plus intense et plus profonde, où l’âme humaine est dépeinte avec plus de complexité.

Philippine Le Bret

Merci à Nabila Souaber, professeure d’anglais, pour sa contribution à cet article

[Le Crime de l'Orient Express de Kenneth Branagh. 2017. Durée : 109 mn. Distribution : Twentieth Century Fox. Sortie le 13 décembre 2017]

Posté dans Dans les salles par zama le 21.12.17 à 13:00 - Réagir

L'Échange des princesses : le site pédagogique

L’Échange des princesses

C’est une époque aujourd’hui mal connue, pleine de conflits obscurs et de personnages oubliés, une période-charnière entre le règne du « Roi-Soleil » et les grondements de la Révolution. C’est pourtant un moment historique foisonnant, à la fois proche et si exotique, qui recèle son lot d’histoires fascinantes. 
Ainsi cet étonnant épisode (on n’ose parler d’anecdote) de diplomatie matrimoniale, pratique courante dans les cours de l’époque mais rarement poussée aussi loin dans ses raffinements cyniques : le double mariage ourdi par le Régent, Philippe d’Orléans, pour unir les cours de France et d’Espagne, et ainsi assurer la paix après la sanglante et ruineuse Guerre de succession d’Espagne (1701-1714). Il consistait à « échanger » sa propre fille, Mlle de Montpensier, promise à l’héritier du trône d’Espagne, contre l’Infante Anna Maria Victoria, destinée elle à épouser Louis XV. Il se trouve que la première avait onze ans, et la seconde à peine quatre, leurs promis n’étant guère plus âgés.

De cette histoire relatée dans les Mémoires de Saint-Simon (qui en fut le témoin privilégié, en tant qu’ambassadeur du roi de France auprès de la Cour d’Espagne), l’historienne et romancière Chantal Thomas (auteure des Adieux à la reine, déjà adapté au cinéma par Benoît Jacquot) a conçu un roman, L’Échange des princesses (Éditions du Seuil), qui raconte la trajectoire météorique de ces deux jeunes princesses, dont la jeunesse fut sacrifiée sur l’autel de la raison d’État, et essaye de s’imaginer leurs états d’âme. Le cinéaste (et romancier lui-même) Marc Dugain en a tiré une œuvre d’une beauté vénéneuse, qui croise son thème favori, celui de la manipulation politique, avec un récit poignant de l’enfance sacrifiée. Il montre une époque inquiète, loin de l’image glorieuse du "Siècle des Lumières", hantée par la terreur de la maladie et de la mort, et une monarchie qui s’enferme dans des rituels mortifères.

Zérodeconduite a consacré un dossier pédagogique au film, qui propose une analyse du film, un entretien avec l’historienne Pascale Mormiche (spécialiste de l’éducation des princes et des princesses sous l’Ancien Régime), et deux fiches d’activité pour étudier le film en classe (Français, Seconde, Première)

L’Échange des princesses de Marc Dugain, au cinéma le 27 décembre

Le site pédagogique

Posté dans Fiches et dossiers pédagogiques par zama le 21.12.17 à 12:35 - Réagir

À nous de jouer : le site pédagogique

A nous de jouer

Une autre école est-elle possible ? Dans son documentaire À nous de jouer !, le réalisateur Antoine Fromental a suivi les classes théâtre et rugby du collège Jean Macé de Clichy. Entre répétitions et entraînements, scènes de groupe et discussions intimes, le film nous montre les bienfaits d’une pédagogie de projet qui permet à chaque élève de trouver sa place et de s’épanouir, à rebours d’un système scolaire qu’on présente encore comme un broyeur d’individualités. Si ce projet est porté par un fonctionnaire engagé et exemplaire, le principal Christian Comès, et par son équipe (enseignants, intervenants théâtre et sport), les véritables héros du film sont les élèves du collège. On a rarement vu au cinéma des jeunes gens s’exposer ainsi, confier leur espoirs, décrire leur vie, confronter leurs points de vue sur leur quotidien ou sur une actualité plus lointaine (l’attentat de Charlie Hebdo par exemple). On a rarement senti avec autant d’acuité la vibration particulière de l’adolescence, ce moment charnière où l’on se construit en tant qu’adulte et où l’on dit adieu à l’enfance.

Cette authenticité est bien sûr le résultat d’un travail documentaire de longue haleine : quatre ans d’immersion dans l’établissement, 200 jours de tournage et 700 heures de rushes ont permis à Antoine Fromental de tisser un lien de confiance avec les jeunes et de les habituer à la caméra. Mais on ne peut s’empêcher d’y voir le bénéfice de la pédagogie de projet : en se projetant dans la pratique, qu’elle soit sportive ou artistique, les élèves s’affirment en tant qu’individus autonomes, dignes de confiance et d’intérêt. À travers les cours de théâtre et la réécriture du Roméo et Juliette de Shakespeare, le film montre aussi comment la littérature du XVIe siècle peut toucher les adolescents du XXIe, interroger leur quotidien et leurs représentations.

Au-delà d’une nécessaire réflexion sur l’école qui intéressera tous les éducateurs, parents, ou citoyens, le film permettra de travailler avec des élèves de collège, dans le cadre de l’Enseignement Moral et Civique, ou du cours de Français autour de la réécriture de Roméo et Juliette. Nous lui consacrons un dossier pédagogique qui propose des activités pour le collège (EMC, Français), ainsi qu'un entretien avec Jean-Claude Lallias sur l'enseignement du théâtre à l'école.

À nous de jouer d'Antoine Fromental, au cinéma le 8 novembre

Le site pédagogique

Posté par zama le 06.11.17 à 11:14 - Réagir

Au revoir là-haut : une adaptation spectaculaire, au détriment (parfois) de la subtilité

Au revoir là-haut

Qu’allait donner l’alliance annoncée entre romanesque lemaîtrien et folie dupontelesque ? On pouvait s’attendre au meilleur comme au pire du mariage entre les univers de ces deux créateurs (un romancier, un cinéaste) si singuliers. Mais l’adaptation du prix Goncourt 2013 par le réalisateur de Neuf mois ferme (son dernier film en 2012) est une indéniable réussite, qui nous plonge avec brio dans le bouillonnement politique, social et artistique des années vingt. Il faut dire que Dupontel a employé les grands moyens. Entre un casting de rêve (Niels Arestrup, Laurent Lafitte, Émilie Dequenne, Michel Vuillermoz), des effets spéciaux impressionnants et une magnifique reconstruction du Paris des années vingt, le (gros) budget du film est perceptible dès les premiers instants. La séquence d’ouverture, reconstitution d’une bataille entre Français et Allemands le jour de l’armistice, en est la preuve éclatante : à grands renforts d’explosions et de prises de vue aériennes, Dupontel nous immerge de manière saisissante dans l'expérience combattante de la Première Guerre Mondiale.

Mais ces grands moyens auraient été employés en pure perte sans le talent d’Albert Dupontel. La narration très resserrée choisie par le réalisateur imprime au film un indéniable souffle romanesque, tandis que l’habile navigation entre burlesque et tragique rend le film insaisissable – et d’autant plus plaisant. Ce mélange des genres est encore renforcé par la survenue des masques, qui appartiennent eux au registre de la poésie. Ces masques sont un jeu autant qu’un émerveillement, et ancrent encore un peu plus le film dans son époque en faisant référence aux principaux courants artistiques des années vingt. L’extraordinaire travail de Cécile Kretschmar, leur créatrice, rapproche ainsi Au revoir là-haut des Yeux sans visage de Georges Franju (1960). L’ambition de Dupontel a cependant un revers : le film tend à la boursouflure, au risque de substituer le spectaculaire à la finesse. Le roman de Pierre Lemaître est parfois réduit à son aspect le plus schématique (les méchants, les gentils, les péripéties), sans que ne soient développées les subtilités qui font sa force stylistique et émotionnelle. C’est notamment le cas de l’arnaque aux monuments aux morts, réduite dans le film à un simple moyen de subsistance pour les deux héros alors qu’elle possédait un fort caractère politique et symbolique dans le roman (pour une analyse historique de cette floraison de monuments commémoratifs voir l’article « Les Monuments aux morts » d’Antoine Prost dans Les Lieux de Mémoire de Pierre Nora). Le besoin de vengeance envers ceux qui ont déclenché la guerre, ont aimé la faire, ou en ont profité est aussi bien moins marqué chez Dupontel que chez Lemaître. On regrettera également que certains morceaux de bravoure du roman soient réduits à leur pure dimension narrative, ainsi de la scène de l’ensevelissement de Maillard (tombé dans un cratère, il se retrouve enterré vivant, obligé de respirer dans la gueule d’un cheval mort). Ce qui donnait lieu dans le roman à un moment d’anthologie littéraire, une pause narrative hallucinante (qui justifiait, à elle seule, le prix Goncourt attribué à Pierre Lemaître), n'est plus ici qu'une péripétie parmi d'autres.

Ces comparaisons entre le film et le roman sont évidemment le premier intérêt pédagogique du film. Au sein de la séquence consacrée en Lettres au « Personnage dans le roman du XVIIe siècle à nos jours » (Première), on pourra grâce au film s’interroger sur la transposition cinématographique d’un roman, et ainsi réfléchir aux choix que doit faire un scénariste lorsqu’il adapte une œuvre littéraire. La présence des gueules cassées et le jeu autour des masques permettra par ailleurs d’intégrer le film à l’objet d’étude « La question de l’homme dans les genres de l’argumentation ». Les professeurs de Lettres pourront ici s’intéresser à la frontière entre le monstre et l’humain. Enfin, le film paraît tout à fait adapté à une exploitation dans l'enseignement d'exploration Littérature et société – d’autant que la commémoration des cent ans de la Grande Guerre rend le film d’actualité. Le dossier pédagogique proposé sur le site du film propose d'autre pistes de travail, notamment au Collège, et de nombreuses ressources

Philippine Le Bret 

Merci à Caroline Hecker et Renée Marmonnier, professeures de Lettres, pour leur contribution à cet article

[Au revoir là-haut d'Albert Dupontel. 2017. Durée : 117 mn. Distribution : Gaumont. Sortie le 25 octobre 2017]

Pour aller plus loin :
Le site officiel du film (modules vidéo, entretien avec A. Dupontel et Pierre Lemaître et dossier pédagogique)

Posté dans Dans les salles par zama le 25.10.17 à 11:24 - Réagir

Zombillénium raconte la lutte des classes façon épouvante

Zombillenium

C’est l’histoire d’un parc d’attractions pas tout à fait comme les autres. Un parc d’attraction spécialisé dans l’horreur mais où l’on ne trouve ni squelettes en plastique ni humains déguisés en loup garou. À Zombillénium, tous les monstres existent « pour de vrai ». Les employés sont d’anciens humains devenus, après leur décès, zombies, vampires, loups garous ou autres.
Mais voilà que la révolte gronde : les employés-morts-vivants en ont marre. Marre que Steven, le vampire beau-gosse, leur vole constamment la vedette, marre de travailler le week-end, marre des visiteurs égoïstes qui viennent au parc. C’est à ce moment qu’arrive Hector, ancien contrôleur des normes transformé en loup-garou par le patron du parc suite à un contrôle-qualité un peu trop poussé. D’abord un peu déboussolé par sa nouvelle condition Hector devient peu à peu la nouvelle attraction du parc, déterminé à sauver Zombillénium de la fermeture.

Il n’est pas tout à fait anodin que Zombillénium , l'adaptation de la BD à succès d'Arthur de Pins, soit accompagné en salles par Gebeka Films, le distributeur de Ma vie de courgette. Les deux œuvres portent en effet la même ambition : réconcilier adultes et enfants autour d’une animation à la fois plaisante et intelligente.
Zombillénium ne manquera pas de plaire aux plus jeunes. C’est, avant tout, un bon film d’aventures, où deux récits sont menés en parallèle : celui d’Hector, qui doit lutter contre une armée de vampires bien décidée à prendre le contrôle du parc ; et celui de Lucie, sa fille, déterminée à retrouver son père disparu. Le film va de péripétie en péripétie, identifie rapidement des méchants et des gentils, et multiplie les références auxquels les (pré)adolescents seront sensibles. Steven est, évidemment, une copie du très célèbre Edward de Twilight, et il est plusieurs fait mention de la série à succès The Walking Dead.
Mais le film ménage également un deuxième niveau de lecture tout à fait adapté aux adultes. Le récit d’aventures se double d’une comédie sociale très convaincante, qui s’interroge sur le monde du travail. Zombillénium traite, pêle-mêle de la lutte des classes (zombies versus vampires), de la violence du capitalisme (l’impératif de rentabilité du parc) et des dérives du consumérisme.

Sous ses dehors de divertissement, Zombillénium peut ainsi parfaitement donner lieu à une exploitation pédagogique intéressante, aux Cycles 4 et 5. En classe de français niveau 6e, le film s’intègrera très bien à l’objet d’étude « Le monstre aux limites de l’humain », par sa représentation de monstres parfaitement humanisés. En 4e, le film pourra ouvrir ou prolonger un séquence sur le récit fantastique dans l'objet d'étude « La fiction pour interroger le réel ».

[Zombillenium d'Arthur de Pins et Alexis Ducord. 2017. Durée : 78 mn. Distribution : Gébéka. Au cinéma le 18 octobre 2017]

Philippine Le Bret

Posté dans Dans les salles par zama le 18.10.17 à 10:26 - Réagir

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